REVISTA PICNIC 10 películas para entender el Avant Garde - Revista PICNIC
MIRAI

Avant garde es un término aplicado a cualquier movimiento experimental en las artes que esté en oposición a las formas tradicionales.

El cine se clasifica  por la manera en que se produce, se distribuye y se proyecta. El llamado cine independiente, cine underground, cine puro, cine de arte, cine artesanal, cine de autor, etcétera,  es olvidado por muchos y consumido por pocos, que a su vez se resisten a dejarse convencer de que el cine comercial no es tan malo como les han contado. Muchas veces esta resistencia viene de ver al cine comercial como un alimento de las masas, a diferencia del otro tipo de cine que se ha etiquetado para las élites.

Avant garde en el cine encierra a un grupo de radicales cineastas que buscaron maneras alternativas de contar historias en Europa después de la Primera Guerra Mundial, perturbando hasta cierto punto la continuidad aceptada del desarrollo cronológico en los filmes. Crearon nuevas formas de desglosar a los personajes, muchas de ellas se separan de las nociones aceptadas del realismo y cuestionan la narrativa tradicional.

El cine de vanguardia presenta en su realización elementos de arte vanguardista de la época, realizado de forma artesanal, la mayoría de las veces no se toman en cuenta las estructuras y demandas de la narrativa; superposición de imágenes, trucos de fotografía, escenarios surreales y música disonante son algunos de los elementos que marcaron una tendencia en el cine independiente de los años veinte.

A continuación elistamos algunas de las cintas que marcaron el cine experimental:

1.Cine anémica

Filme realizado por Marcel Duchamp uno de los mas grandes artistas del siglo 20que junto a Pablo Picasso y Salvador Dalí construyó gran parte del acervo cultural pictórico de esa época. La película no es más que un torbellino de dibujos animados superpuestos que fue protagonizada por  Rrose Sélavy . Para lograrlo creó un juguete óptico que constaba de círculos de cartón planos pintados que hizo girar sobre un fonógrafo que daba la ilusión de tres dimensiones, a este aparato Duchamp le dio el nombre de Rotoreliefs. En un principio pensó en venderlos, por lo que filmó cómo funcionaban, de esto se derivó la llamada Anémic Cinéma, producto de un experimento artístico con toques científicos de apenas seis minutos cuarenta y dos segundos de duración.

2. Las mallas de la tarde 

Un filme de Maya Deren, una mujer polifacética  que no sólo era cineasta sino también poeta, bailarina, escritora y fotógrafa que realizó este filme con el que buscaba crear una vanguardia que se ocupara de los problemas psicológicos y devastadores que la acechaban. Realizó esta filmación con su primera cámara de cine, una Bolex de 16 mm.

Ella escribía, actuaba, producía y dirigía sus películas. Maya es una de las figuras más representativas del cine experimental, razón por la cual en 1986, el American Film Institute creó el  Premio Maya Deren, dirigido a cineastas independientes.

«Yo hago mis películas con lo que Hollywood gasta en lipstick». -Maya Deren.

La versión original fue silente y sin diálogos, la anécdota de que Maya encontró una manera de adherirse la cámara al cuerpo es muy conocida entre los amantes del surrealismo en el cine y en el performance, ya que contiene un extraordinario uso de la cámara subjetiva.  Esta película ganó el premio por cine experimental en 16 mm en el Festival de Cannes.

3. La inhumana 

Película francesa escrita y dirigida por Marcel L’Herbier. Ubicada en los años veinte, narra la vida de una prima donna en la Francia de esos días y el revuelo que provocaba entre los hombres. Lo más relevante en esta película no es la historia sino, el diseño de producción en el que se muestran las diferentes manifestaciones artísticas de la época. El artista Fernand Léger y el arquitecto Rob Mallet Stevens también participaron en este filme.

4. La edad de oro

Esta película es considerada la más violenta y destructiva de Luis Buñuel, por atreverse a atacar a los representantes del orden y ridiculizar sus principios, además de contar con el respaldo de los surrealistas.

«En La edad de oro me propuse ofender al público, porque eso me parecía necesario en esa época.»- Luis Buñuel. 

El amor está presente en el filme; una pareja orillada por la sociedad a ocultar su amor decide ir en contra de todo aquel que se oponga a su relación, ahora es claro que el discurso emplea una metáfora sobre la marginación y el desprestigio de todo aquel que se considerara surrealista en esos días.

 

5.  Dinero

Es el penúltimo film de Marcel L’Herbier. La mayoría de sus filmes están incluidos en la corriente artística art déco, evidencia los escándalos bursátiles de los locos años veinte, para cuando se estrenó este filme silente, el cine sonoro ya estaba en salas por lo que esta película fue un fracaso en taquilla, sin embargo es considerada una de las mejor logradas del cine experimental.

Después de La inhumana, Herbier, desorientado por la llegada del cine sonoro, dejó de lado el cine experimental para dedicarse únicamente a rodar lo que se puede decir fueron éxitos comerciales, tal es el caso de La comedia de la felicidad (1940) y La noche fantástica  (1942).

6. Un perro andaluz

Uno de los filmes surrealistas más famosos es el que logró Luis Buñuel en 1929. Actuado y dirigido por él, este cortometraje no tuvo sonido hasta 1960. Es considerada la mejor película del cine experimental, rompió completo la narrativa tradicional, además de buscar generar un impacto en el espectador con la agresividad de la imagen.

Esta película fue de gran impacto para el cine convencional de la época, además influyó en la obra de otros cineastas que tomaron como referencia la obra maestra de Buñuel, tal es el caso de Alfred Hitchcok quien emuló la representativa escena diseñada por Salvador Dalí para Un perro andaluz: el ojo que pende de un hilo cortado con unas tijeras . Ya en otra época David Bowie proyectaba la secuencia del ojo cortado con la navaja de afeitar para iniciar sus conciertos en su gira de 1976.

7. Cabeza borradora

Ópera prima de David Lynch, uno de los genios del cine experimental, quien en este filme logró consagrarse como uno de los genios del cine onírico y perturbador.El proyecto tardó seis años en ver la luz debido a que nadie creía en el entonces joven e inexperto director que le apostaba todo a un montón de abstracciones que para la época eran sinónimo de desastre taquillero.

La película es una apuesta por lo surrealista y poco ortodoxo, continuamente asfixiante en muchos sentidos, la imagen y los sonidos que utiliza Lynch hacen de esta película una de las más recordadas por los amantes del cine experimental. Los efectos especiales y animación cuadro por cuadro fueron realizados también por Lynch, que saltó a la fama y a la controversia con este filme.

8. Chelsea Girls 

Trabajo cinematográfico de Andy Warhol, que consistía en dos proyecciones simultáneas que retrataban cómo es la vida en un hotel de Manhattan. Las doce historias que contienen este filme nos llevan por el hotel de tal modo que parece que estamos viendo por la cerradura lo que acontece en las habitaciones de un modo que podríamos considerar voyerista.

Ligeramente diferente en cada proyección, esta creación fílmica fue musicalizada por The Velvet Underground y actualmente es considerada una prueba antropológica de la vida urbana de los sesenta.

En Chelsea Girls existe una interacción fascinante entre la complejidad psicológica y la creativa imaginación de Warhol, que lo hace uno de los filmes independientes más importantes de la época.

9. El hombre de la cámara

Situada en Rusia, en los años veinte, este film del director Dziga Vertov quien trabajara de cerca con Lev Kuleshov (responsable de la técnica de montaje llamada «Efecto Kuleshov») es una de las primeras en usar la manipulación de imágenes con el fin de crear ilusiones ópticas en el espectador.

Filmada con tintes de falso documental, constructivismo y futurismo,  El hombre de la cámara es la historia de un operador de cámara que constantemente está documentando la realidad que viven los ciudadanos en la ciudad con su cámara. Poeta y revolucionario del cine,  Vertov fundó con otros cineastas el Club del Cine Ojo, en el que se rechazaba el plano como unidad convencional del cine, trabajar con actores profesionales y la necesidad de un guión escrito para hacer una película. El objetivo de este club era filmar sólo la «verdad», por lo que el mismo Vertov filmaba muchas veces con una cámara oculta y sin pedir permiso.

 

10. PI El orden del caos

Una oda a las matemáticas y al thriller psicológico es esta película de 1998, ópera prima de Darren Aronofsky, en la que el protagonista Maximillian Cohen intenta descifrar el misterio del símbolo matemático Pi, que para él encierra los misterios de la vida. En esta búsqueda cada vez se hace más notable que a nuestro personaje principal lo asedian terribles jaquecas y desordenes mentales que parecen apoderarse cada vez más de él conforme el film avanza.

Max prefiere las máquinas y las relaciones numéricas a las personas, la pasión del protagonista por los números le hace tener un contacto erótico con una máquina. Para el personaje encontrarse con el dilema resuelto de la total explicación natural deriva en un choque entre lo racional y lo espiritual.

«Las matemáticas son el lenguaje de la naturaleza» 

Si te interesa conocer más sobre el cine experimental, te sugerimos inscribirte al Taller de Arte Cinematográfico que será impartido en Casa Picnic.

 

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